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LOS INVITAMOS A CONOCER LA NUEVA PAGINA 



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CULTMOVIEZ ONLINE ES LA NUEVA ACTUALIZACIÓN DEL PROYECTO DONDE SEGUIREMOS COMPARTIENDO TODOS LOS CONTENIDOS HABITUALES DE ESTA PAGINA 
AHORA CON UN FORMATO MAS PRACTICO PODREMOS ACCEDER AL MEJOR CINE 
EN LA MEJOR CALIDAD Y VÍA STREAMING


NO ESTA DEMÁS INFORMARLES QUE 
TAMBIÉN SERA ACTUALIZADA EN LOS PRÓXIMOS MESES 


UN GRAN SALUDO Y ESPERAMOS DISFRUTEN DE NUESTRA NUEVA PAGINA 

Pickup on South Street (1953)

Skip McCoy (Richard Widmark), un ratero de poca monta, atraca a una mujer llamada Candy (Jean Peters) y se apodera de un valioso microfilm que contiene secretos de estado. Pero Candy estaba bajo la vigilancia de agentes del gobierno, por lo que Skip se convertirá en sospechoso.












Ride the High Country (1962)


Dos antiguos pistoleros se asocian para escoltar un cargamento de oro. Uno intenta hacer un buen trabajo y volver a su casa. Pero la única intención del otro es robar la valiosa carga...

Realizada por Sam Peckinpah, se rodó en conemascope en Inyo National Forest y Bronson Canyon (California), con un presupuesto de 1 M dólares. Producida por Richard E. Lyons, fue nominada al BAFTA a la mejor actriz novel (Marietta Hartley).

La acción tiene lugar, camino de Coarsegold, en un momento no determinado de la última década del XIX. Narra la historia de un antiguo sheriff, Seteve Judd (Joel McCrea), respetado, entrado en años, contratado por un banco para transportar un cargamento de oro desde la mina a la ciudad, a través de un territorio peligroso. Judd se hace con la colaboración de veterano Gil Westrum (Randolf Scott) y del joven Heck Longtree (Ron Starr). En el camino encuentran a una muchacha, Elsa Knudsen (M. Hartley), a la que defienden de los intentos de rapto y violación de los hermanos Hamond.

La película recoge toda la iconografía del "western", con pistoleros, aventureros, banqueros, prostitutas, mineros, misioneros, comerciantes, cantineros y otros, que sitúa en un contexto temporal y social diferente. El Oeste no es ya el espacio de las correrías de los indios, ni el lugar de asentamiento de pioneros y colonos, ni el escenario de las proezas de héroes como Will Kane, Ethan Edwards, Owen Thursday. El sentido crespuscular de la historia se acentúa con la edad de Judd y Westrum, su participación en los "westerns" de la época dorada y la hora final de sus carreras: última intervención en cine de Randolf Scott y una de las últimas de Joel McCrea. La emergencia de un tiempo nuevo se simboliza en el primitivo modelo de un automóvil, que presagia profundos cambios tenológicos. Se trata con respeto, nostalgia y lirismo el viejo Oeste y los códigos de conducta de sus protagonistas (amistad, lealtad e independencia personal). La historia es rica en trazos de humor, que culminan en la ceremonia de la boda de Elsa y Billy. Se exalta el sentido de la amistad y responsabilidad de Judd y se condenan la traición al amigo y el fanatismo religioso de Joshua Knudsen (R.G. Armstrong), que suma ciega ortodoxia religiosa y maltrato con abusos de la hija.

La música aporta una brillante partitura de viento y percusión, que añade algunas canciones populares. La fotografía se ajusta a la estética de Peckinpah: colores atenuados y neutros, juegos de luces y sombras bien construídos, importancia del claroscuro y paisajes espectaculares. El guión desarrolla una historia interesante, intensa y crepuscular, rica en toques de humor (carrera de un camello y muchos caballos). La interpretación de los dos veteranos es magnífica y loable la de los secundarios. La dirección demuestra, a los 36 años, una espléndida madurez.

Película rica en matices y sugerencias, que dice más de lo que aparenta. Muestra el ocaso del antiguo Oeste con nostalgia, lirismo, admiración y respeto.

Crítica de Miguel en Filmaffinity



Miss Muerte (1966)

Un profesor intenta mediante cirugía, convertir a los hombres buenos en malos. Cuando este fallece, su hija prosigue sus experimentos adueñándose de la voluntad de una bailarina, Miss Muerte, para vengarse de los médicos que dejaron morir a su padre.

Junto a "Vampyros lesbos" y "Gritos en la noche", "Miss Muerte" es la obra magna de la filmografia del gran Jesús Franco (tambien conocido como Jess Franco). Este director madrileño es ,junto a Buñuel, el director mas internacional del cine español, y a su vez el más irregular. Un director que a partir de "Vampyros lesbos (1971)" no hizo mas que caer en una espiral de horrendos films llenos de sexo y poca calidad. Pero lo que desconocen la mayoría de sus enemigos, la mayoría de ellos desconoceran sus primeras obras, es que sus primeros films son muy buenos (incluso contienen destellos de genio) en los que nos muestra una perfecta puesta de escena con escenas intrigantes y asombrosas, ese es el caso de "Miss Muerte", una falsa "secuela" de "Gritos en la noche" en la que el famosos Dr. Orloff ni si quiera sale.

"Miss Muerte" es un film que destila angustia y con unas cuantas escenas maravillosamente rodadas, añadiendo esa estética entre el pop-art y el expresionismo aleman que hace de este film un verdadero clásico del fantaterror.

Vamos a matar, compañeros (1970)


Segunda parte de las tres películas que Corbucci dirigió sobre la revolución mexicana.
En dicha "trilogía"(si se puede llamar de esta manera), Corbucci va mutando el porcentaje de humor que añade a cada película. Mientras que en "Salario para matar" es leve, a la tercera película ("¡Qué nos importa la revolución!"), se la puede considerar directamente como una comedia. Esta que nos ocupa hoy es perfecta como trampolín entre las otras dos.
Franco Nero repite de nuevo como protagonista, y se puede casi afirmar que su personaje es el mismo que ya vimos en "Salario para matar". De un mercenario/táctico militar como era "El Polaco" ahora es un traficante de armas. Igual de cínico y con los mismos principio morales que hacen que solo mire por él.
Nero está tan cómodo como siempre, y su actuación es la base de las tres patas sobre la que se cimienta el éxito de la producción.
Otra de esas patas es sin duda Milian. "Vasco" es seguramente su mejor papel en el spaghetti, seguido de cerca por su "Cuchillo". Milian sustituye a Tony Musante en el papel del compañero mexicano que sirve como contrapunto al de Nero.
La dirección de Corbucci es el tercer factor importante de la ecuación que conforma la película. El director sabe aportar ritmo, y logra que en ningún momento el interés por la historia decaiga. Con una técnica depurada, Corbucci logra lo que parecía imposible en el spaghetti, más allá de Leone; lograr un estilo único e inconfundible, notable tanto en "Compañeros" como en "Salario para matar".
Más cercana al cine de acción o de aventuras a secas que al spaghetti al uso, es en la personalidad de la mayoría de los que pueblan la película lo que lo acerca al genero, además del apartado visual, claro.
Ayuda la fenomenal fotografía del español Alejandro Ulloa, y como no la banda sonora de Morricone. Sobre todo la canción principal, con letra en español en el original, un tema de lo mejor del spaghetti.
Corbucci logra una de sus mejores películas de una obra ya de por sí notable, y es que "Vamos a matar COMPAÑEROS" es recomendable para cualquiera amante del buen cine, ya que por ella no pasa el tiempo.

Extracto de crítica del genial blog 800spaghettiwesterns

Sílení (2005)


Tras asistir al funeral de su madre, Jean Barlot emprende un viaje y se detiene a pasar la noche en una pensión. Durante el sueño causa destrozos en la habitación. A la mañana siguiente, averigua que un extraño marqués que se hospeda allí ha pagado los desperfectos y que, además, lo invita a pasar la noche en su castillo. Barlot acepta la invitación, pero sus fuertes convicciones morales y religiosas sufrirán un fuerte impacto al espíar al marqués y a sus amigos.

El autor de filmes tan personales como “Conspirators of Pleasure”, “Otesánek” y de versiones imposibles de “Fausto” o “Alicia en el país de las maravillas” mira a través de los relatos de Poe “El entierro prematuro” y “El sistema del Dr. Tarr y el profesor Fether” y, añadiéndoles esencias del Marqués de Sade, realiza una nueva obra provocativa, blasfema y, nuevamente, interesante. 

Svankmajer se dirige a cámara en un prólogo: 

“Señoras y señores, 
La película que van a ver es una película de terror – con toda la decadencia propia del género. No es una obra de arte. Hoy, el arte está casi muerto, sustituido por el anuncio publicitario del rostro de Narciso reflejado en el espejo del agua (...) La película propone, en esencia, un debate ideológico sobre la gestión de un manicomio. En principio, hay dos maneras de hacerlo – ambas son igualmente extremas. Una alienta la libertad absoluta; la otra, el método obsoleto de vigilar y castigar. Pero hay un tercer método que combina y resume los peores aspectos de los dos primeros. Es el manicomio en el que todos vivimos hoy”. 

Puede recordar a la también imprescindible “Marat/Sade” de Peter Brook, aunque la combinación de horror con animación stop-motion con carne cruda, sexo y violencia dan esa clara presencia autoral de Svankmajer que la define como una “película de horror filosófico”. 

Filme imperfecto pero como toda la obra del autor prevalece sobre el conjunto.

Crítica de Maldito Bastardo en Filmaffinity

Soul Kitchen (2009)


El buen cine no tiene que ser siempre loco, extraño o con tomas eternas en las que no ocurre nada. Cine de culto es un calificativo también muy ambiguo y por consiguiente subjetivo. Hay quienes aman las películas de Peter Greenaway, yo en lo personal, las considero horriblemente aburridas, pero cada quién sus gustos. Una buena película, en mi opinión también puede ser divertida y  ese es el caso de Soul Kitchen (2009), una  excelente producción alemana con Adam Bousdoukos y el ya tan conocido Moritz Bleibtreu de Luna Papa y Der Baader Meinhof Komplex por sólo mencionar un par y dirigida por Fatih Akin también director de Im Juli (2000) http://www.imdb.com/title/tt0177858/.
Soul Kitchen es la historia de Zinos Kazantsakis (Adam Bousdoukos) propietario de un peculiar restaurante, que busca dar un nuevo giro a su restaurante y a través de varias situaciones surge Soul Kitchen. Se trata de una historia divertida, entretenida, y en ciertos puntos graciosa. Temas como el amor y el engaño son abordados de una manera natural sin caer en lo banal y clásico de cualquiera de ésas película que Holywood suele producir por montones.
Ganadora del National Board of Review en la categoría de Top Five Foreign Films en 2010 así como dos premios en el Festival de Venecia en 2009. Además de otras muchas nominaciones a Mejor película Europea, Mejor película, Mejor edición, Mejor guión, etc. Sin duda 100% recomendable para pasar un agradable rato.

Gracias al Dr. Farabeuf por los links

The Raid: Redemption, Serbuan maut (2011)

Con la influencia de las artes marciales, predominantes en sus dos anteriores films, Gareth Evans le regala aquí al espectador una propuesta que no pierde el tiempo en introducciones, que desarrolla un creativo coreográfico maravilloso, con un despliegue de escenas de acción increíble, y con una violencia gráfica que intensifica cada segundo de esta arriesgada y pasional película de género.
Un escuadrón de policías es llevado a tomar un edificio. Cuando llegan, todo parece tranquilo y no tienen demasiados problemas, pero pronto la situación se pone complicada. Con un sencillo mecanismo de alerta y con las suficientes cámaras de seguridad, el jefe del lugar tiene el territorio controlado, y con unas simples y cortas palabras ordena a sus inquilinos a asesinar sin piedad a todos los intrusos. Los oficiales van a hacer lo posible por escapar con vida de la construcción.
Esta propuesta comienza con una simple y directa introducción del personaje principal, para luego darle paso, y sin ningún tipo de interrupción, a las monumentales secuencias de acción. Desde el momento que los policías salen del vehículo, aproximadamente a los quince minutos de comenzada la película, la misma no da respiro y presenta una escena violenta tras otra, con una claridad visual y con un manejo de las cámaras espectacular. El director, con la experiencia de sus anteriores cintas sobre las artes marciales, utiliza aquí todas las herramientas que tiene a su alcance para desarrollar secuencias que poseen un despliegue coreográfico soberbio y muy calculado, y una creatividad que se mantiene intacta y que funciona a la perfección como uno de los principales factores sorpresa de la propuesta.
La violencia es gráfica y exagerada. Lo que al comienzo son pasillos sucios, solitarios y arruinados, en pocos minutos se ven manchados por grandes cantidades de sangre, y llenos de cadáveres. Tiros, explosiones, peleas majestuosas cuerpo a cuerpo, saltos, quebraduras, torturas y un sinfín de cuestiones que desarrollan una imaginación muy bien lograda (se destacan y se diferencian de la gran mayoría de las presentadas en este tipo de películas), aparecen y se adueñan de la más de hora y media de duración. Una propuesta con altas dosis de entretenimiento.
Si bien esta es una película que posee unos de los mejores despliegues de acción de los últimos años (cada nueva secuencia es mejor que la otra), la misma posee dos puntos débiles que no interfieren en el disfrute, pero que valen la pena ser destacados: por un lado, la historia de fondo a todo lo que se va presentando es una cuestión secundaria casi sin importancia. La temática de la familia y esa bien lograda ironía del final son las únicas dos cosas destacables del guión. Por otro lado, la falta de suspenso entre escenas de acción es significante y provoca que la previsibilidad narrativa aparezca.
"The Raid: Redemption" es una cinta muy divertida, con escenas de acción originales, crudas, veloces, bien filmadas y muy bien musicalizadas. Con una fotografía que muestra gráficamente todo lo que sucede, aunque se guarda algunos escabrosos e innecesarios detalles, y con una dirección más que destacable, esta es una propuesta que encantará a los fanáticos del género. Con sus inconvenientes en el guión y en el suspenso, pero con una creatividad pocas veces vista en este tipo de producciones.
Critica por Martín Morales de http://www.mmcriticas.com.ar

 
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